À la suite des impressionnistes, de nouvelles influences permettent des changements de directions plus fréquents et moins prévisibles que ceux que l'histoire avait enregistré précédemment avec son alternance de classicismes et de réactions.
A partir de ce moment, les découvertes et le progrès dans chacun des arts seront rassemblés par des artistes, différant par leur évolution et leur préoccupation sociale. L'art de l'Orient avait suggéré des innovations, celui d'Afrique avait invité à d'autres et les évènements qui marquent le siècle en suggèrent encore d'autres.
Peu à peu, la fonction esthétique de l'art se perd, elle aussi. Une série de mouvements apparaissent rapidement, contemporains et consécutifs à l'Impressionnisme, les "Ismes":
[le Symbolisme] [le Fauvisme] [le Cubisme] [l'Art Nouveau ou Modernisme] [le Dadaïsme] [le Surréalisme]
Peu à peu, la fonction esthétique de l'art se perd, elle aussi. Une série de mouvements apparaissent rapidement, contemporains et consécutifs à l'Impressionnisme, les "Ismes":
[le Symbolisme] [le Fauvisme] [le Cubisme] [l'Art Nouveau ou Modernisme] [le Dadaïsme] [le Surréalisme]
Le Symbolisme
Moreau
l'Enlèvement d'Europe
Le symbolisme est un courant artistique européen des deux dernières décennies du XIXe siècle.
Le symbolisme se définit essentiellement par l'idéalisme d'artistes en réaction à un monde trop matérialiste, celui issu des mutations de la révolution industrielle, voué au progrès technique, à la recherche du profit, aux luttociales. Refusant la peinture narrative, la recherche de la vraisemblance, la perspective illusionniste, les proportions et autres canons traditionnels, s'inspirant des légendes bibliques et médiévales, d'une antiquité nostalgique, d'un Orient imaginaire et cruel, ils multiplient les recherches formelles : espace délibérément plat, graphismes précieux, harmonies chromatiques sophistiquées. Certains se complaisent dans une peinture décadente, d'autres multiplient des ornements décoratifs maniéristes.
Entre 1880 et les premières années du XXe siècle, le symbolisme intéresse toute l'Europe, jusqu'à la Russie, et atteint les États-Unis.
Le symbolisme se définit essentiellement par l'idéalisme d'artistes en réaction à un monde trop matérialiste, celui issu des mutations de la révolution industrielle, voué au progrès technique, à la recherche du profit, aux luttociales. Refusant la peinture narrative, la recherche de la vraisemblance, la perspective illusionniste, les proportions et autres canons traditionnels, s'inspirant des légendes bibliques et médiévales, d'une antiquité nostalgique, d'un Orient imaginaire et cruel, ils multiplient les recherches formelles : espace délibérément plat, graphismes précieux, harmonies chromatiques sophistiquées. Certains se complaisent dans une peinture décadente, d'autres multiplient des ornements décoratifs maniéristes.
Entre 1880 et les premières années du XXe siècle, le symbolisme intéresse toute l'Europe, jusqu'à la Russie, et atteint les États-Unis.
Le Fauvisme
Henri Matisse,
La Danse (1909-1910)
Le Fauvisme est un mouvement pictural français du XXe siècle, caractérisé par l'audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques.
Les fauves rejetèrent la palette impressionniste aux tons doux et miroitants pour les couleurs pures et vives qu'utilisaient déjà Paul Gauguin et Vincent Van Gogh. Le nom de fauves est une appellation peu flatteuse donnée par le critique d'art Louis Vauxcelles à un groupe d'artistes exposant dans la même salle au Salon d'automne de 1905.
On comptait parmi eux André Derain, Maurice de Vlaminck, Henri Manguin, Albert Marquet, Charles Camoin et Henri Matisse, chef de file incontesté.
Ils rallièrent à eux les peintres Raoul Dufy, Émile-Othon Friesz, Georges Braque et le Hollandais Kees Van Dongen.
Les fauves rejetèrent la palette impressionniste aux tons doux et miroitants pour les couleurs pures et vives qu'utilisaient déjà Paul Gauguin et Vincent Van Gogh. Le nom de fauves est une appellation peu flatteuse donnée par le critique d'art Louis Vauxcelles à un groupe d'artistes exposant dans la même salle au Salon d'automne de 1905.
On comptait parmi eux André Derain, Maurice de Vlaminck, Henri Manguin, Albert Marquet, Charles Camoin et Henri Matisse, chef de file incontesté.
Ils rallièrent à eux les peintres Raoul Dufy, Émile-Othon Friesz, Georges Braque et le Hollandais Kees Van Dongen.
Le Cubisme
Courant artistique dont l'apparition et le développement en France à partir de 1907 déterminèrent une révolution esthétique sur laquelle se fondent un grand nombre des nouvelles formes de peinture et de sculpture qui virent le jour au XXe siècle. Sous l'influence croissante de l'art de Cézanne, associée à l'exemple des arts primitifs, certains peintres — et plus spécifiquement Picasso et Braque — s'engagèrent, au début du XXe siècle, dans une simplification de la représentation qui les conduisit à privilégier l'étude des volumes et des cadres structurels de la forme.
On date traditionnellement les débuts du cubisme de la réalisation par Picasso des Demoiselles d'Avignon (1907) où le peintre remplaça les zones d'ombre par de grandes lignes parallèles.
Après avoir vu ce tableau dans l'atelier du peintre catalan, Braques'engagea également dans la voie qu'ouvrait ce nouveau langage pictural, qui ne prit son nom qu'en 1908, sous la plume du journaliste Louis Vauxcelles.
Pablo Picasso
Les Demoiselles d'Avignon (1907)
"Ce qui différencie le cubisme de l'ancienne peinture, c'est qu'il n'est pas un art d'imitation, mais un art de conception qui tend à s'élever jusqu'à la création.
En représentant la réalité-conçue ou la réalité-créée, le peintre peut donner l'apparence de trois dimensions, il peut en quelque sorte "cubiquer".
Il ne le pourrait pas en rendant simplement la réalité-vue, à moins de faire du trompe-l'œil en raccourci ou en perspective, ce qui déformerait la qualité de la forme conçue ou créée."
Guillaume Apollinaire
En représentant la réalité-conçue ou la réalité-créée, le peintre peut donner l'apparence de trois dimensions, il peut en quelque sorte "cubiquer".
Il ne le pourrait pas en rendant simplement la réalité-vue, à moins de faire du trompe-l'œil en raccourci ou en perspective, ce qui déformerait la qualité de la forme conçue ou créée."
Guillaume Apollinaire
L'Art Nouveau ou Modern'style
L'Art nouveau est un mouvement de rénovation qui marqua l'Europe à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, dans les arts décoratifs et l'architecture.
En France et en Belgique, il est également connu sous le nom de Modern' style.
C'est un style essentiellement décoratif qui a cherché à mettre en relief la valeur ornementale de la courbe, qu'elle soit d'origine florale comme en Belgique, en France et en Espagne ou géométrique comme en Allemagne, en Angleterre et en Écosse.
Aubrey Vincent Beardsley
Graveur et dessinateur dont les œuvres, illustrant des thèmes fantastiques ou érotiques, sont caractérisées par un graphisme très stylisé.
Graveur et dessinateur dont les œuvres, illustrant des thèmes fantastiques ou érotiques, sont caractérisées par un graphisme très stylisé.
Le Dadaïsme
Le Dadaïsme surgit après les destructions de la Première Guerre Mondiale.
Il défend une attitude négative pour tout ce que produit la civilisation belliqueuse que contemplent les artistes du groupe "Dada"
Dada est la négation de la transcendance. Le mot dada, en français, appartient au langage infantile et signifie "cheval"; mais pour les artistes qui fréquentent le café "Voltaire" à Zurich entre 1915 et 1922, [Dada est n'importe quoi].
Les dadaïstes ont en commun le goût de l'absurde, du non- sens, de la provocation et de l'humour.
Mais Dada, c'est aussi une immense révolte contre la guerre: la guerre détruit, dada veut détruire l'ordre établi qui n'a pas su empêcher le massacre. La guerre a utilisé le progrés technique à des fins destructrices, Dada dénonce la machine, cette invention de l'homme, qui s'est retournée contre lui.
Cette prétention révolutionnaire fait du dadaïsme un mouvement anti-art
Ses membres faisaient appel, par exemple, à des matériaux inhabituels pour créer leurs oeuvres d'art.
Ce mouvement met en avant un esprit mutin et caustique, un jeu avec les convenances et les conventions, son rejet de la raison et de la logique, et marque avec son extravagance notoire sa dérision des traditions et son art très engagé.
Les artistes se voulaient irrespectueux, extravagants en affichant un mépris total envers les "vieilleries" du passé.
Ils recherchaient à atteindre la plus grande liberté d'expression, en utilisant tout matériaux et supports possible.
Ils avaient pour but de provoquer et d'amener le spectateur à réfléchir sur les fondements de la société.
Ils recherchaient également cette liberté dans le langage qu'ils aimaient lyrique et hétéroclite.
Man Ray - autoportrait -1916
Photographe, peintre et cinéaste, Man Ray exploita toute l'audace dont il était capable et mit la technique au service de l'inventivité. Ses techniques de créations lui ont sans cesse valu notoriété.
Le Surréalisme
Salvador Dalí
Persistance de la mémoire (1931)
Issu d'une rupture avec le mouvement Dada en 1922, le Surréalisme, à l'origine un projet essentiellement littéraire, fut rapidement adapté aux arts visuels (la peinture, la sculpture, la photographie, le cinéma).
C'est en 1924, avec l'écrivain français André Breton et son manifeste surréaliste, que le Surréalisme devient un mouvement.
Selon la définition qu'il en donne, le surréalisme est "un automatisme psychique pur par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée".
Il s'agit donc d'une véritable "dictée de la pensée", composée "en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique et morale".
Le surréalisme dans les arts plastiques prolongea une tradition picturale où la rêverie, le fantastique, le symbolique, l'allégorique, le merveilleux et les mythes ont une part importante. L'onirique, le choc visuel produit par la juxtaposition d'images ou d'objets incongrus, mais toujours agencés dans une production signifiante, sont l'un des fondements de la poétique surréaliste.
Dès 1924, Max Ernst, Jean Arp et Man Ray adhérèrent au mouvement. Ils furent rapidement rejoints par André Masson et par Joan Miró. Parmi les derniers adhérents du groupe figurent encore l'Américain Yves Tanguy, le Belge René Magritte, le Suisse Alberto Giacometti, ainsi que le peintre espagnol Salvador Dalí, qui rejoignit le mouvement surréaliste en 1930.
C'est en 1924, avec l'écrivain français André Breton et son manifeste surréaliste, que le Surréalisme devient un mouvement.
Selon la définition qu'il en donne, le surréalisme est "un automatisme psychique pur par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée".
Il s'agit donc d'une véritable "dictée de la pensée", composée "en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique et morale".
Le surréalisme dans les arts plastiques prolongea une tradition picturale où la rêverie, le fantastique, le symbolique, l'allégorique, le merveilleux et les mythes ont une part importante. L'onirique, le choc visuel produit par la juxtaposition d'images ou d'objets incongrus, mais toujours agencés dans une production signifiante, sont l'un des fondements de la poétique surréaliste.
Dès 1924, Max Ernst, Jean Arp et Man Ray adhérèrent au mouvement. Ils furent rapidement rejoints par André Masson et par Joan Miró. Parmi les derniers adhérents du groupe figurent encore l'Américain Yves Tanguy, le Belge René Magritte, le Suisse Alberto Giacometti, ainsi que le peintre espagnol Salvador Dalí, qui rejoignit le mouvement surréaliste en 1930.